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El curso de nivel principiante crea la base para los estudiantes para que adquieran las habilidades fundamentales y las herramientas para desarrollar el proceso actoral con una introducción a las técnicas de Stanislavski, Boleslavski y Lugering. Los estudiantes refuerzan su poder de concentración y enfoque a medida que aprenden cómo analizar y crear personajes, romper las estructuras de los monólogos, libretos y obras teatrales, e identificar las circunstancias dadas. Los estudiantes crean y acceden a varios diferentes tipos de personajes; usan la repiración, el tono óptimo, y la dicción para comunicar el propósito del personaje. Los estudiantes toman decisiones claras y específicas; aprenden el lenguaje teatral; y conectan con su cuerpo, voz e imaginación durante la actuación. Además, los estudiantes aprenden cómo comportarse como un actor profesional que demuestra respeto y concentración en la clase y en el escenario. El trabajo en la clase consiste en monólogos, escenas e improvisaciones.

Para ser expresivos y presentes como actores, los estudiantes necesitan una voz entrenada como parte de su instrumento físico. En este curso, los estudiantes estudian el desarrollo de las técnicas de voz para el escenario, incluyendo el trabajo de Linklater en relajación y calentamiento. Los estudiantes demuestran los principios de la producción del sonido de la voz. Los estudiantes demuestran los elementos de la producción vocal, respiración, relajación, fonación, resonancia, articulación, soporte del cuerpo, postura y ubicación apropiada de la lengua y los labios. Los estudiantes explorarán la anatomía de la voz: la presión del aire, resonancia vibratoria, el control del velo del paladar y laringe y movimiento de la mandíbula. El trabajo en la clase incluye estiramiento, relajación, registro, y la creación de un ejercicio de calentamiento físico y vocal personalizado.

En este curso los estudiantes exploran una introducción a la naturaleza única del cuerpo como expresión de la actuación. Una conciencia elevada es necesaria para desarrollar el cuerpo del actor. A través del estudio de los animales, el entrenamiento del cuerpo para la danza y los ejercicios designados para explorar el cuerpo como herramienta de comunicación, los estudiantes exploran ejercicios de movimiento y técnicas de improvisación. Los estudiantes aprenden a estar cómodos en sus cuerpos, usando un espíritu de descubrimiento y libertad para habitar completamente sus cuerpos. Los estudiantes demostrarán flexibilidad, amplitud de movimiento y confianza física. Elementos de la técnica de Alexander y la yoga ayudan a los estudiantes a mejorar el balance y la coordinación. Los estudiantes interactúan y exploran los movimientos grupales-desarrollando sensibilidad a la energía del grupo. Los estudiantes indentifican, relajan, y hacen entrar en calor partes del cuerpo que están tensionadas y desarrollan movimientos y expresividades que trabajan en la postura, gestos, caminatas, y expandiendo el potencial físico como actor.

En este curso se introduce a los estudiantes de Nivel Uno al ensayo de ensamble y técnicas de interpretación, con un énfasis en la preparación, concentración, escucha activa, respuesta y conciencia espacial. Los estudiantes trabajan en monólogos y escenas en una variedad de géneros teatrales, preparándose a participar en el festival de otoño de la Asociación de Maestros de Drama del Sur de California o en inglés: Drama Teachers Association of Southern California (DTASC). Los estudiantes continúan trabajando en construir un ensamble cohesivo por medio de la práctica de varias técnicas de actuación grupal y ejercicios para expandir las habilidades en un ensayo o representación teatral. Los estudiantes integran contextos culturales e históricos con experiencias personales para crear un proyecto grupal. Los estudiantes colaboran como grupo creativo para descubrir soluciones artísticas y hacer elecciones interpretativas en un trabajo teatral.

El enfoque de esta clase, que es un curso de Nivel Uno, es usar una amplitud de técnicas de teatro de ensamble para introducir a los estudiantes a las prácticas de teatro, tanto occidentales como no occidentales. Los estudiantes ganan conocimiento del lenguage del teatro, ética, y etiqueta del teatro. Los estudiantes entienden la interpretación y terminología del teatro técnico; filosofías físicas y de ensamble, estéticas y técnicas. Los estudiantes aprenden cómo crear, componer, memorizar, poner en escena y representar trabajos previamente producidos. Aprenden cómo construir un entendimiento básico de la caracterización y el desarrollo del personaje; y demuestran una presencia en escena segura, una personalidad auténtica en el escenario, y un grupo de actores unificados. El trabajo en clase consistirán en la exploración de técnicas actorales multidisciplinarias que incluyen monólogos, diálogos, trabajo de ensamble y escena; danza, movimiento y teatro físico; tocar música y cantar; escritura reflexiva y creativa, poesía, fotografía, realización de arte visual, film, video y nuevos medios de comunicación.

El texto de Shakespeare puede ser más complejo que el texto contemporáneo, pero los fundamentos de la actuación son los mismos. Los estudiantes no tratarán de fabricar el personaje, sino entender que el personaje aparece en lo que hace, a través de sus acciones. Los estudiante pueden poner el texto de Shakespeare en sus propias palabras, usando sus voces naturales. Los estudiantes aprenden cómo investigar y descubrir el significado usando escansión, verso blanco, prosa, y verso que rima. Los estudiantes demuestran el uso del verso pentámetro, asonancia, aliteración, onomatopeya, y antítesis, al mismo tiempo que descubren cómo usar los juegos de palabras y el doble sentido que eran prevalentes en las obras de Shakespeare. Los estudiantes hacen elecciones específicas de actuación, usando la articulación, respiración, y el físico para ser entendidos y creíbles. El trabajo en clase consistirá en monólogos, soliloquios y escenas.

Una continuación de Voz y Lenguaje I, los estudiantes refuerzan su relación con sus voces, explorando nuevos modos de mejorar la proyección de la voz. Los estudiantes edifican sobre la técnica básica vocal para el soporte del sonido, la articulación, y la proyección de la voz. Los estudiantes demuestran la importancia del soporte físico que se requiere para producir un lenguaje enunciado claro estando relajados y firmes en sus cuerpos. Los estudiantes aprenden el alfabeto fonético internacional (IPA) para representar correctamente la pronunciación de idiomas y aplicar el IPA a su adquisición del dialecto americano estándar. Los estudiantes deben aprender el IPA para ser capaces de dominar acentos y dialectos que se enseñan en el nivel tres de Voz y Lenguaje.

Este curso es una clase adjunta al Segundo Año de Actuación de Shakespeare. En Movimiento 2, los estudiantes demuestran las técnicas físicas para la representación del teatro clásico, específicamente los períodos Isabelino, de restauración, georgiano y victoriano. Los estudiantes identifican las características físicas específicas de cada período y las usan para crear los personajes. Una atención especial se da en adoptar los manierismos y estilos de esos períodos. El combate armado escénico provee a los estudiantes de una serie de técnicas confiables de combate para usar en el escenario. Los estudiantes estudian una variedad de maniobras armadas que incluyen el rapier (estoque), katana, y broadsword (espada ancha). Además, los estudiantes aprenden biomecánica basada en la teoría del movimiento de Vsevolod Meyerhold a través de una combinación selecta de biomecánica, yoga y gimnasia para principiantes. Los estudiantes identifican áreas de tensión en sus cuerpos y utilizan una gran variedad de estiramiento corporal y balance para mejorar su coordinación física y conciencia espacial.

Este curso literario es el estudio de la historia del teatro y la crítica de texto desde los antiguos a los posmodernos, con énfasis en el teatro como institución social en América. Una vez finalizada esta clase, los estudiantes entenderán los principales movimientos y desarrollos teatrales desde los antiguos a los posmodernos y tendrán una base firme y una comprensión del teatro como influencia social en la historia. Los estudiantes entenderán los tipos de obras interpretadas, los dramaturgos principales, los edificios físicos y espacios de actuación y el tono general y organizaciones de los actores. Los estudiantes aprenderán cómo estas tradiciones ancestrales informaron nuestras tradiciones modernas contemporáneas. Los estudiantes aprenderán que la historia no es una entidad que quedó muerta en el pasado, sino una revelación dinámica del teatro como una forma artística y la necesidad de la gente de ser testigo. Los estudiantes aprenderán qué fue establecido y qué fue descartado, lo que cambió y lo que fue renovado. Los estudiantes tendrán una gran amplitud de conocimiento como base para su actuación.

En este curso, los estudiantes construyen en base a los estilos de actuación aprendidos en Actuación 1 y 2 y agregan otros, incluyendo métodos de Estéticas Prácticas, Chekhov y Meisner, para crear la vida del personaje y la intención de la escena. Los estudiantes investigan e interpretan obras de dramaturgos amercanos contemporáneos incluyendo Lily Padilla, Qui Nguyen, Octavio Solís, Paula Vogel, y Suzan Lori-Parks. Los estudiantes realizan una exploración tanto práctica como filosófica del arte de ser y crear en la escena como actor. Usando el lenguaje del teatro y la actuación, los estudiantes usan el análisis de texto para contar una historia de forma efectiva; aprenden a activar cada línea con intensión y propósito; ganan un conocimiento de cómo crear especificidad en cada momento; entender/descubrir claves; aprenden cómo las relaciones espaciales dentro de una escena informan la acción dramática y la relación entre los personajes. Además de la memorización de monólogos y escenas, el trabajo en clase consistirá en ejercicios de armado de ensamble, juegos y técnicas de improvisación, a la vez que actividades de movimiento, sonido y lenguaje.

Este curso avanzado desarrollará, expandirá, y reforzará el rango vocal de los estudiantes y la flexibilidad en dialectos regionalmente específicos usando el alfabeto fonético internacional (IPA) como herramienta para aprender pronunciación y estilo. Los estudiantes exploran cómo expandir su comprensión cultural y social y la caracterización a través del dialecto regionalmente específico. Los estudiantes demostrarán un entendimiento de los cambios del sonido específicos del dialecto con respecto al acento americano estándar usando el IPA. A través de las notas de dialectos escritas, los estudiantes demuestran cada cambio de sonido individual en IPA específico al dialecto de esa región. Los estudiantes aprenden a través de las asignaciones escritas IPA, escucha verbal y ejercicios de repetición, creación de contenido, lectura en frío, trabajo de escena, y estudio de narración (voice over) cómo perfeccionar cada dialecto. El trabajo de clase culmina en una interpretación de escena en la clase, incorporando técnicas de actuación establecidas, análisis de guion y personaje, ensayo de notas y dialectos.

Este curso enseña a los estudiantes cómo acceder y aplicar el método Tadashi Suzuki y Técnicas Viewpoint a su actuación. Los estudiantes se concentran en alcanzar una completa expresividad y practican para lograr un control total del cuerpo. Los estudiantes analizan los métodos Suzuki comparados con otros métodos de actuación y lo aplican para construir un ensamble. Los estudiantes aplican las ideas de Suzuki de centrar el cuerpo completando un ciclo de ejercicios en grupos y demostrando su conocimiento de las ideas de Suzuki de centrar el cuerpo creando sus propios ejercicios Suzuki. Los estudiantes logran una gran cantidad de energía y conciencia focalizada de expresividad natural y se comprometen completamente a los requerimientos físicos y emocionales de la actuación. A medida que se aplica la completa inmersión a la escena actoral, los estudiantes demuestran su entendimiento de los aspectos físicos y vocales de Viewpoints, incluyendo relaciones espaciales, respuesta cinestésica, forma, gestos, repetición, arquitectura, tempo, duración, topografía, pitch, dinámicas, aceleración/desaceleración, silencio y timbre.

El estudio de dramaturgos no tradicionales, incluyendo mujeres, LGBTQ+, y gente de color, este curso literario inicia a los estudiantes a una riqueza de escritos de estos dramaturgos. Los estudiantes leen y estudian las obras de hombres y mujeres que trajeron las relaciones raciales, la justicia social, las luchas de clase y diversidad a la vanguardia del teatro americano. Los estudiantes aprenden sobre y aprecian la cultura, las luchas y triunfos de estos escritores y cómo han revolucionado el teatro americano, contribuyendo a nuestras perspectivas diversas y discurso político. Algunos de los dramaturgos que se estudian son Nilo Cruz, August Wilson, Lynn Nottage, E. Donald Two Rivers, Tony Kushner, Josefina Lopez, David Henry Hwang, Migdalia Cruz, and Sandra Seaton.

El curso de nivel más alto para los estudiantes senior de actuación que están considerando la opción de carrera de actor profesional, los estudiantes exploran las técnicas de actuación de interpretación de monólogo, Sanford Meisner, Lee Strasberg/Stanislavski (Method Acting), Practical Aesthetics y Harry Mastrogeorge (The Imagined Life). Con cada técnica de actuación, los estudiantes hacen elecciones específicas para su personaje a través de ejercicios de repetición, sustitución, visualización, recuerdo emocional, memoria sensorial, análisis dramático, improvisación, pregunta “qué si” y fisicalismo. Cada técnica es diferente y permitirá al estudiante encontrar qué estilo de estudio del personaje es más efectivo para avanzar hacia una carrera de actuación profesional. Adicionalmente, este curso ofrecerá el “negocio de ser actor” enfocándose en los elementos diarios de ser un actor que trabaja. Creando un resume de actuación, sacarse y elegir el mejor retrato (headshot), investigar agencias y managers de TV/film y teatro, crear una oración “pitch”, y usar la participación en social media ayudará a comercializar las habilidades de cada estudiante. Expositores invitados que trabajan en TV/film y en teatro, ayudan a los estudiantes a comprender los detalles de ser un actor profesional y cómo mantenerse “en el juego”. Los estudiantes formulan una declaración de artista personal y compilan un portafolio de monólogos para audiciones.

En este curso lo estudiantes aprenden que la autenticidad en la búsqueda de los objetivos de la escena es la clave del éxito cuando se actúa para la cámara. Los estudiantes aprenden a distinguir la diferencia entre la actuación teatral y en un film. Los estudiantes demuestran relajación y espontánea del cuerpo y la voz al prepararse para una toma y se les da la oportunidad de mejorar estas habilidades a través de la improvisación y ejercicios filmados que son vistos en clase. Los estudiantes aprenden los fundamentos de la cámara y entienden la importancia de la continuidad a través de ejercicios específicos en cámara, descubriendo cómo las elecciones de los actores afectan la narración dentro de la imagen. Los estudiantes demuestran conocimiento del lenguaje de la actuación en cámara, incluyendo pantalla verde, línea visual, piggyback y close-ups. Los estudiantes tienen la oportunidad de practicar las demandas técnicas de un set de filmación profesional mientras exploran la filmación con una sola cámara y la relación de los actores con la cámara.

Bajo la supervición de un mentor de la facultad, los estudiantes de 4° año trabajan en conjunto con los estudiantes avanzados de teatro técnico para producir un cortometraje o una obra de teatro para representar en público. Estos espectáculos o cortos son completamente producidos por los estudiantes. Los estudiantes trabajan en colaboración mutua para desarrollar una declaración de la misión de la compañía y le pondrán un nombre que refleje esa misión. Los estudiantes decidirán colaborativamente sobre el equipo de producción y quiénes serán responsables del marketing, promoción, publicidad, y buscar los lugares de exhibición. Los estudiantes desarrollarán un presupuesto y juntarán los fondos para solventar todos los costos de las producciones, finalmente seleccionando las obras para producir que se encuadren dentro de la misión declarada.

Bajo la estructura de la Educación Técnica de California (CTE), los estudiantes de teatro de nivel senior se ven envueltos en proyectos de pasantía en la comunidad y de aprendizaje con supervisión en el lugar. Los estudiantes desarrollan objetivos de aprendizaje mediante pasantías con el empleador-supervisor inmediato y un miembro de la facultad de LACHSA para proveer de experiencias apropiadas de aprendizaje basadas en el trabajo. Los estudiantes aplican sus conocimientos de teatro y habilidades en el contexto profesional y entienden qué habilidades son transferibles a los nuevos contextos. Los estudiantes identifican y entienden las prácticas y protocolos de una compañía particular o industria a la cual fueron asignados; y los estudiantes reflexionan exitosamente sobre la calidad de la contribución que han hecho a la organización, permitiéndoles refinar y reevaluar sus propios objetivos de carrera como resultado de su experiencia durante la pasantía. Los estudiantes recibirán crédito escolar bajo su clase de Actuación Avanzada.

Este curso iniciará a los estudiantes al diseño de vestuario y vestuarista para el escenario (sastre de teatro). Los estudiantes ganarán un conocimiento básico de los principios de la teoría del vestuario teatral, psicología de la vestimenta para el diseño teatral, y de la construcción del vestuario. Los estudiantes usan el lenguaje del vestuario, incluyendo la trama de la vestimenta, la teoría del color, costura, y boceto. Los estudiantes desarrollan diseños que emergen a través del proceso del análisis del personaje basado en el análisis del libreto y el concepto de la dirección. La investigación del período histórico, el diseño y la ejecución de las habilidades se apoyan a través de aplicación práctica y ejercicios manuales. Los estudiantes aprenden la construcción básica de vestuario, incluyendo la elaboración y el drapeado. Se proveen las herramientas y los recursos para desarrollar los proyectos finales de los estudiantes. Los proyectos finales pueden consistir en que los estudiantes trabajen como mistresses/masters de vestuario y vestidores para las producciones escolares.

A través del trabajo en este curso, los estudiantes demuestran los principios de dirección, las teorías, procedimientos, y prácticas en dirigir una escena. Los estudiantes usan el lenguaje de la actuación y el teatro mientras analizan el texto, personaje, y los detalles de la historia, estructura de la obra, el conflicto, los temas, y las imágenes. Los estudiantes desarrollan la comunicación esencial y las habilidades de liderazgo mientras resuelven problemas con ingenio, flexibilidad y creatividad. Los estudiantes demuestran su habilidad para colaborar desde una posición de liderazgo creativo en un marco de grupo; y logran experiencias prácticas en dirigir escenas de dos, tres y cuatro personas que culminan en una representación teatral con invidados al final de cada semestre.

El objetivo de este curso es lograr que los estudiantes se entusiasmen por la improvisación. En el Nivel Uno se introduce a los estudiantes a la forma corta de improvisación y sus principios esenciales: estar de acuerdo, escuchar,  comprometerse y apoyar. Los estudiantes aprenden cómo jugar a la “verdad” en la narración de una historia para generar ideas interesantes para las escenas cómicas. Los estudiantes aprenden cómo interpretar personajes que son como ellos en una escena cómica y cómo crear e interpretar personajes inteligentes con un fuerte punto de vista. Los elementos y el lenguaje de la improvisación son usados para construir un personaje y relaciones. Los estudiantes además usan los  elementos de improvisación como el tiempo, la imaginación, la representación objetiva, la verdad en la representación y el status y realidad para crear un personaje en improvisación.

El pre-requisito para esta clase son dos semestres de introducción a la Comedia. La Comedia Improvisada Avanzada consta de un estudio detallado e intenso de “la escena”, que es la base de construcción de la improvisación larga. Los estudiantes tendrán la oportunidad de interpretar una escena larga, mientras que experimentan con algunas de las teorías de mayor influencia en el trabajo de improvisación, incluyendo el juego de las escenas como lo define el Teatro Upright Citizens Brigade y el juego de la posición como lo define Miles Stroth. Eventualmente los estudiantes avanzan a la famosa Escena Harold, con sus comienzos, primeros, segundos y terceros ritmos. Los estudiantes también desarrollan Escenas de Final Abierto y para el final de este curso anual, los estudiantes pueden crear y realizar escenas de 3 minutos interesantes y entretenidas que son completamente improvisadas.

Este curso es una clase de teoría y diseño con una exploración de las tareas de los técnicos de escena. Usando la terminología de la escenografía, los estudiantes demuestran las propiedades físicas básicas de los aspectos técnicos del teatro (por ejemplo luz, color, electricidad, maquillaje) e identifican las tareas principales de un técnico de escena. Los estudiantes demuestran una comprensión de los requerimientos de seguridad y el uso eficiente de las herramientas y materiales que se usan en el taller. Aplican cuidadosamente los conocimientos técnicos y habilidades para crear una escena funcional, propiedades, iluminación, sonido, vestuario y maquillaje.

Este curso práctico es para estudiantes que hayan completado dos años de entrenamiento en teatro técnico. Los estudiantes de esta clase son responsables de “teching” todas las producciones de la escuela. Los estudiantes demuestran la habilidad de cargar y armar el set para cualquier producción. Los estudiantes demuestran un conocimiento avanzado de construcción del escenario, la decoración, colgar, enfocar, programar los instrumentos de iluminación, implementación de los sistemas de sonidos para efectos especiales y refuerzo en las producciones de la escuela. Los estudiantes analizan una variedad de obras para ayudar a determinar los requerimientos de la producción para el sonido, iluminación, vestuario y maquillaje; desarrollan diseños que usan los elementos visuales y aurales para representar ambientes que apoyan claramente la producción. Los estudiantes explican cómo los desarrollos científicos y tecnológicos han impactado el escenario, la luz, el sonido, el vestuario y los diseños de maquillaje; crear horarios de producción, planes de manejo del escenario, ideas promocionales, y procedimientos de negocios y de la casa para producciones escolares. Los estudiantes identifican oportunidades de carreras en los aspectos técnicos del teatro y desarrollan un currículum para obtener experiencia laboral en salas profesionales.